Conférence de Jeanine Belgodere, jeudi 20 juin 2019

Programme : « Ombre(s) et lumière(s) »

 La lumière triomphant des ombres dans l’œuvre chorégraphique d’Isadora Duncan (1877-1927)

À l’orée du XXe siècle, Isadora Duncan, pionnière de la danse moderne, met à mal le ballet classique, tradition chorégraphique solidement implantée en Europe. En réaction contre le langage académique codifié dès le XVIIe siècle, Isadora entend restituer à cet art le lien à l’humanité, sa vitalité, sa spontanéité et sa noblesse d’antan, en puisant son inspiration dans la nature et dans l’art de la Grèce antique qu’elle revisite. La lumière s’associe à l’ouverture, la fluidité, la joie, la liberté et la renaissance. Son envers, l’ombre, recouvre toutes formes de pesanteurs : impossibilité de s’extraire du sol, chagrin, désespoir, servitude et oppression.

L’essence lumineuse des chorégraphies d’Isadora résulte d’un alliage d’éléments techniques, stylistiques et thématiques. Fluidité de la gestuelle et de la musique, éclairage doux, usage fréquent de tuniques légères, thèmes se conjuguent pour créer une esthétique nimbée de clarté. La danse d’Isadora n’en a pas moins sa part d’ombre : Danse des Furies (1910) est le solo inaugural d’une gestuelle ancrée dans le sol et investissant la face obscure de l’être. Après 1913, l’ensemble des chorégraphies gagne en gravité et en théâtralité. Ce glissement coïncide avec la tragédie de la disparition brutale des deux enfants d’Isadora. La dimension dramatique perdure dans les solos consacrés à la figure maternelle. Cependant, dans la plupart de ces oeuvres affleure l’espérance. Les dernières chorégraphies (1917-1924), issues de son expérience de l’après révolution en Union Soviétique, mettent en scène la traversée de l’ombre à la lumière. Cette évolution correspond au vécu d’Isadora et à sa confrontation avec les bouleversements de l’Histoire dont la danseuse, qui ne séparait pas son combat féministe de la révolution socialiste, a toujours été partie prenante. En dépit de l’incursion au coeur de la nuit, Isadora renouera, dans un mouvement circulaire, avec l’atmosphère de ses solos de jeunesse, le printemps et ses grâces. Dans ces danses habitées par la seule lumière transparaît l’aspiration à un monde édénique, lié au désir de voir éclore une société harmonieuse et fraternelle, annoncée par la danseuse de l’avenir, véritable proclamation féministe.


Jeanine Belgodere est Maître de conférences en anglais à l’Université Le Havre Normandie et membre du GRIC. Spécialiste de l’esthétique de la danse (États-Unis, Europe), elle met en évidence les rapports de la danse avec la société et les correspondances entre les arts. Elle est l’auteure de nombreux articles sur les figures majeures de la danse moderne, notamment Isadora Duncan (1877-1927) et Martha Graham (1894-1991). Les pratiques culturelles des Amérindiens, en particulier des communautés indiennes du Sud-Ouest américain, de même que l’œuvre des sculpteurs apaches chiricahua Allan Houser, Bob Haozous et Phillip Haozous constituent une autre dimension de sa recherche. Un ouvrage intitulé  Danses du maïs Pueblo, Vision du Monde  a été publié par les Éditions Les Indes Savantes (janvier 2016).

Conférence de Lamia Dzanouni-Brousse de Laborde, jeudi 16 mai 2019

Programme : « Ombre(s) et lumière(s) »

The Kourier vs The Crisis: from Whiteness to Blackness (1900-1930) 

Peaux noires, masques blancs: entre suprématie blanche et émergence d’une conscience noire. Au début du XXe siècle, le Ku Klux Klan vit une seconde naissance dans un contexte idéologique plus propice. Il rencontre alors un public acquis à sa cause et bénéficie d’une couverture médiatique significative. Si des journalistes condamnent les agissements de cette organisation, une large partie de la presse lui offre un soutien de taille. Se posant néanmoins en victimes des médias, les membres du Klan initient leurs propres publications.

Entre 1923 et 1924, The Kourier devient l’un des organes de presse officiel du Klan, jouissant d’une diffusion nationale. Les dessins publiés subliment le Klan qui se veut le guide d’une société ayant perdu ses repères. Les illustrations de propagande foisonnent, glorifiant divers membres de cette organisation, propageant une représentation stéréotypée de la population noire et des immigrés et défendant ainsi la suprématie blanche. Pourtant, à force de clichés montrant la sauvagerie, la barbarie et l’infériorité de la population noire, n’y a-t-il pas révélation des tentations obscures d’une population qui se prétend civilisée ? Alors que progresse le racisme, la riposte s’organise, notamment dans The Crisis. Une certaine presse émerge, portant le fer au cœur des luttes politiques et idéologiques. La charge est à la hauteur des persécutions subies : forte, intelligente et subtile. Le dessin, instrument du combat contre le racisme, s’efforce de reconstruire l’histoire noire sur le sol américain. La population noire s’insurge pour créer et imposer une contre image.


Lamia Dzanouni-Brousse de Laborde est Docteur de l’Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3. Ses recherches portent sur l’importance du dessin de presse dans le combat des Noirs pour leurs droits, dans une perspective à la fois américaine et française, lors de moments-clés entre la guerre de Sécession et le mouvement des droits civiques d’une part, et la France coloniale et les guerres de décolonisation d’autre part. Elle a publié, entre autres, “The Crisis and African American Literature 1919-1925: Writing History, Promoting Literature, Redefining Publishing” European Journal of American Studies ; « L’influence de la presse ou la presse sous influence(s) ? L’exemple du Harper’s Weekly (1857-1916) » Mentalités/Mentalities (2017) ; « Les presses noire et anticolonialiste : ‘Un art de débat, une [arme] de combat’ » Chemins de traverse (2018).

Conférence de Jacqueline Charles-Rault, jeudi 25 avril 2019

Programme : « Ombre(s) et lumière(s) »

Gods & Demons (Dieux et démons)

Lisa Reihana (descendante de Maoris) et Greg Semu (descendant de Samoans) sont des artistes contemporains reconnus de la scène d’Auckland en Nouvelle-Zélande. Ils appartiennent à la même génération d’artistes qui ont grandi à Auckland à la fin des années 60 et au début des années 70.

Ils ont participé à la reconnaissance de l’art contemporain maori et de l’art du Pacifique au début des années 90. Jusqu’alors, les Maoris et artistes du Pacifique étaient seulement connus pour leur travail artisanal. La première exposition d’art contemporain du Pacifique, “Bottled Ocean”, au début des années 90, a favorisé l’émergence d’un nouvel art contemporain maori et issu du Pacifique, évoquant les habitants des îles du Pacifique. Cet événement ouvrit des portes à de nombreux artistes qui abordent le même motif principal : une quête d’identité personnelle et de leurs origines, dans un contexte urbain.

Lisa Reihana et Greg Semu ont joué un rôle important dans l’émergence de l’art contemporain du Pacifique au fil des années. Malgré leurs différences culturelles, leur approche dans leurs productions photographiques est similaire, comme dans le choix et le traitement des thèmes. Tous deux s’appuient sur des mises en scène et reprises de récits, nourris de références mythologiques, bibliques et historiques pour représenter leur culture et leur héritage.

Cette intervention permettra de parcourir des séries de photographies, réalisées par chacun des deux artistes, dans lesquelles chacun a travaillé sur la représentation des dieux et des démons.


Jacqueline Charles-Rault, Directrice du service culturel de l’Université Le Havre Normandie, PRAG d’anglais à l’UFR ST, membre permanente du GRIC, est docteur de l’ULHN. Sa thèse étudie la pratique artistique de quatre artistes Maori contemporaines. Son domaine de recherche englobe l’art contemporain du Pacifique, plus particulièrement des artistes de Nouvelle-Zélande et porte principalement sur les femmes Maori. Membre du bureau de Pacific Arts Association (PAA), Jacqueline est co-rédactrice en chef de PAA Newsletter.

Conférence de Jean-Pierre Naugrette, vendredi 15 mars 2019

Programme : « Ombre(s) et lumière(s) »

« Une Maison d’ombres et de mystère » : lecture coloniale et pathologique de “L’Aventure du soldat blafard” de
Sir Arthur Conan Doyle

Lecture coloniale et pathologique de « L’Aventure du soldat blafard » de Sir Arthur Conan Doyle (“The Adventure of the Blanched Soldier”, The Case Book of Sherlock Holmes).

Privé de Watson, Sherlock Holmes est invité à se rendre dans une étrange demeure, Tuxbury Old Hall, dans laquelle un jeune vétéran de la guerre des Boers est semble-t-il séquestré. Quelle est la pathologie dont souffre Godfrey Emsworth dont le visage, collé contre la vitre, apparaît singulièrement blafard? Les valeurs gothiques de cette étrange maison sont ici mises au service d’une problématique relevant de ce que l’on pourrait appeler une pathologie coloniale, dans le contexte contemporain de la guerre des Boers, à laquelle Conan Doyle avait participé en tant que médecin.


Jean-Pierre Naugrette est Professeur de littérature anglaise à l’Institut du Monde Anglophone (Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3). Spécialiste d’Arthur Conan Doyle et de Robert Louis Stevenson, il est aussi traducteur et romancier. Il a traduit Le Chien des Baskerville de Conan Doyle (Gallimard), L’Étrange Cas du docteur Jekyll et de M. Hyde et Le Creux de la vague de Stevenson, de même que des classiques des littératures britannique et américaine. Il a publié cinq romans et un recueil de nouvelles.

Conférence de Gilles Couderc, jeudi 14 février 2019

Programme : “Ombre(s) et lumière(s)”

Manière noire : Wilfred Owen, Benjamin Britten et les récits de Xavier Hanotte. Jeux de miroir, jeux de mémoire

Manière noire est le titre du premier roman de Xavier Hanotte, romancier, traducteur et dramaturge belge d’expression française, auteur de plusieurs récits évoquant la Grande Guerre.

Ce procédé de gravure permet d’obtenir des niveaux de gris sans recourir aux hachures et aux pointillés, les formes passant de l’ombre à la lumière. Le roman met en scène Barthélemy Dussert, inspecteur de police et traducteur de Wilfred Owen, le poète anglais le plus célèbre de la Grande Guerre, protagoniste du War Requiem de Benjamin Britten, dans une enquête où l’impérieuse nécessité de la mémoire historique se mêle aux souvenirs personnels de Dussert. Cette présentation vise à éclairer les jeux de miroir et de mémoire entre Wilfred Owen, Benjamin Britten, et les récits de Xavier Hanotte, dans une œuvre habitée par la mémoire du premier conflit mondial qui combine réalisme et poésie.


Gilles Couderc est Maître de conférences à l’université de Caen Normandie. Sa thèse de doctorat porte sur les livrets et la musique des opéras de Benjamin Britten, Des héros au singulier, les héros des opéras de Benjamin Britten (Sorbonne, 1999). Il a publié plusieurs articles sur les opéras et les œuvres de Britten et Ralph Vaughan Williams et organisé de nombreuses conférences à l’université de Caen sur les livrets d’opéra inspirés par le monde anglophone et en a édité les actes dans la revue électronique LISA. Il a co-édité avec J-P. Héberlé un numéro spécial de La Revue Française de Civilisation Britannique sur la musique et la construction de l’identité nationale anglaise: Musique, nation et identité : la renaissance de la musique anglaise, www.cercles.com/rfcb/, Vol. XVII-4

Conférence de Dominique Smith, jeudi 13 décembre 2018

Programme : “Ombre(s) et lumière(s)”

Du nocturne en peinture

La nuit est-elle un besoin de fuite, le besoin de se désolidariser du chaos quotidien, de l’immédiatement visible, un refuge, une quête de soi, ou un champ d’investigation ?

La nuit procure l’isolement, une forme de remède aux troubles mélancoliques de l’artiste romantique, un climat privilégié pour l’artiste en quête de repli. Le paysage nocturne romantique a atténué voire écarté la présence humaine, comme si la nuit proposait de dépasser le principe d’individuation. Cependant, le paradoxe de l’effacement de soi conduit à une réconciliation avec soi : le paysage nocturne apaise si l’on fait un avec la nature dans une attitude contemplative. Dans le paysage nocturne, l’être humain perd sa maîtrise de l’environnement, et son orgueil s’amoindrit.

La sérénité de certains paysages provient d’une forme de silence fait en soi, la nuit relie et permet de ne faire qu’un avec le tout. L’absence totale ou implicite de l’humain est favorable pour communiquer avec ce qui est plus grand que soi. Les paysages nocturnes à peine peuplés ou entièrement déserts, renvoient au désencombrement, au panoramique, à la démesure, à la solitude. Le paysage nocturne vaste et vide peut apaiser le désarroi, il peut être fascinant sans écraser celui qui regarde, mais il peut aussi effrayer et inscrire les œuvres dans le sublime.


Dominique Smith est PRAG d’anglais à l’Université Le Havre-Normandie. Directrice du département d’anglais et Vice-Doyen de la FAI, son domaine de recherche englobe les arts et la littérature d’Australie et de Nouvelle-Zélande.

Conférence d’Elizabeth Durot-Boucé, jeudi 22 novembre 2018

Programme : “Ombre(s) et lumière(s)”

Ombres des Lumières : le revenant et le retour du refoulé

L’ombre – fantôme, spectre, revenant – existe dans la littérature, dans les mythologies et les légendes, dans l’imagination des hommes, depuis des millénaires. Le thème du défunt qui a été victime d’un refoulement familial ou social et qui de ce fait ne peut trouver de statut même dans la mort, est omniprésent dans toutes les cultures et dans toutes les civilisations. Le réveil glorieux des spectres en pleine époque des Lumières peut paraître de prime abord paradoxal. Le spectre qui hantait les légendes, qui arpentait les planches du théâtre élisabéthain et jacobéen, finit par revenir sur le devant de la scène à la fin du XVIIIe siècle pour achever son apothéose un siècle plus tard, avec Bram Stoker, qui donne à son célèbre roman le nom du revenant, Dracula. Par définition ni vivant ni mort, être hybride entre deux mondes, entre réalité et imagination, le spectre appartient bien au gothique, genre qui se définit précisément par l’entre-deux. Le spectre resurgit des ténèbres humides du tombeau de la même façon que le secret enfoui par l’inconscient au plus profond de l’âme humaine, sous l’effet du mécanisme du refoulement, finit par refaire surface à l’occasion d’un événement catalyseur. Si l’on craint le fantôme (comme Madame du Deffant l’exprime si spirituellement), c’est que l’on redoute en réalité le retour à la surface d’éléments enfouis, de secrets terribles qui ont été ensevelis parce qu’ils menaçaient l’ordre des choses.


Elizabeth Durot-Boucé est Professeur de Langue et Littérature anglaises à l’Université Le Havre-Normandie. Son domaine de recherche englobe l’histoire des idées, la littérature et la traduction. Spécialiste du Siècle des Lumières, elle vient de publier Emily philosophe ou le Goût du plaisir. À l’ombre des Lumières, roman gothique et roman libertin (2017) et Chemins de traverse (2018).
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